Tom Jones

Título Original - Tom Jones

Año - 1963

Director - Tony Richardson

Elenco - Albert Finney, Susannah York, Hugh Griffith, David Warner, Edith Evans, George Devine

Ganadora del Oscar 1963 a la Mejor Película

Las correrías y juergas de un libertino bastardo educado como un caballero durante el siglo XVIII le proporcionó al cine británico una de sus más grandes conquistas de premios y público. Defendida por la crítica como una joya que captura el espíritu de la época y que insufla la "pasión por vivir", algunos pensamos que es una mediocre película, hoy caduca y poco divertida, de éxito desmedido. Quizá fuera "rompedora" en su época, pero sorprende no sólo que arrebatara ese año los principales Oscars a obras artísticamente muy superiores como "América, América", "8 1/2" o "Cleopatra", sino que los académicos la vieran más divertida que la genial comedia "Dulce Irma ". (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)

 
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Desirée

Título Original - Desirée

Año - 1954

Director - Henry Koster

Elenco - Marlon Brando, Jean Simmons, Merle Oberon, Michael Rennie, Cameron Mitchell

Adaptación de la novela de Annemarie Selinko, basada en el estudio de los diarios de Desirée. La acción comienza en Marsella (1794) y concluye en París (1815). Narra la historia de Desirée Clary (Jean Simmons), hija de un comerciante marsellés, de la que se enamora Napoleón cuando ella tiene 17 años. Las ambiciones de Napoleón le llevan a París, donde por conveniencia contrae matrimonio con Josephine Beauharnais, mientras ella se casa con Jean Battiste Bernadotte.

La película frivoliza la realidad con escenas espúreas, que deslucen el relato, como la rendición de Napoleón, tras Waterloo (1815), ante Desirée. La obra muestra las inmensas ambiciones de Napoleón, que sueña con dominar el mundo, aún a costa de desmesuradas pérdidas en vidas humanas y de sacrificios personales tan poco razonables como la renuncia a su único y gran amor. Napoleón encarna la megalomanía, las ansias de poder absoluto y una desproporcionada ambición. La insaciabilidad de ésta le lleva a emprender aventuras cada vez más arriesgadas, en una espiral sin retorno de sangre, dolor y derrotas. Desirée encarna el contrapunto de Napoleón: no le gustan los palacios, detesta la ostentación, se adapta mal al rigor de los formalismos oficiales, confraterniza con todos, es consciente de sus limitaciones y renuncia a honores que no la satisfacen. Bernadotte personifica la fidelidad a los ideales, la incorruptibilidad, la disconformidad con Napoleón y el éxito basado en el trabajo, en el respeto al Parlamento y en el servicio a los ciudadanos.

La música incorpora 24 melodías, algunas tomadas de autores diversos: "El vals de Desirée" (Alfred Newman), "Te Deum" (Wagner), "Plaisir d'amour" (Giovanni Martini). Las composiciones originales evocan el alma de los personajes. La fotografía opta por un cromatismo equilibrado, contrastado y matizado. Destaca la recreación escénica del cuadro de Jacques-Louis David "La coronación del Emperador" (1805/07). Se beneficia de un vestuario y unos decorados brillantes y llamativos. El guión enlaza historias de diferente tono en un solo relato, del que Napoleón es el protagonista. Los diálogos son algo artificiosos. La interpretación de Brando (en ese entonces de 29 años) es correcta, aunque inferior a sus niveles de excelencia ("Un travía llamado deseo", "Nido de ratas"). Michael Rennie cumple con corrección, mientras Jean Simmons queda deslucida en un papel en el que no se siente cómoda. La dirección, excesivamente maleable, busca la espectacularidad y el favor del público con concesiones que devalúan el film.

Película realizada para un éxito fácil y amplio, con sacrificio de la solidez de la obra y el rigor del relato. Contiene elementos de interés. (Miquel: Filmaffinity)

 
 

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Gente Como Uno

Título Original - Orinary People

Año - 1980

Director - Robert Redford

Elenco - Donald Sutherland, Mary Tyler Moore, Judd Hirsch, Timothy Hutton, M. Emmet Walsh

Ganadora del Oscar 1980 a la Mejor Película

Un debut a lo grande el de Robert Redford como director, la más aclamada por la crítica en general de todas las cintas que dirigiera en total hasta ahora.

Y un comienzo a lo grande, colmada de premios bien merecidos, ya que es una gran película desde lo discursivo y muy profunda desde el planteo conceptual.

Me encontré con una cinta que nos abre el panorama hacia un mundillo lleno de inseguridades, temores, penas, culpas, apariencias, frialdad, escasez de amor, problemas psicológicos post traumático, etc.

Una de las grandes virtudes del filme es el conseguido guión, que muestra en forma cabal las circunstancias tan crudas dentro de las relaciones interpersonales en una familia devastada por la tragedia.

Cada personaje sufre a su manera, cada uno lo expresa de una forma distinta: siendo muy condescendiente el padre, siendo fría y distante la madre, y con depresión el hijo adolescente. Todo ello causado por la trágica muerte del hijo mayor de la familia, en circunstancias donde todo parece ser que su hermano es el culpable del acontecimiento dantesco.

Me gustó mucho cómo están retratados cada uno de los personajes, muy bien caracterizados, interactúan en un argumento solvente y sólido desde el aspecto lógico.

Los registros dramáticos dominan el filme, logran conseguir una atmósfera apesadumbrada, llena de melancolía y sufrimientos.

Las actuaciones son otro punto a favor, Timothy Hutton en una composición magistral, dando vida al personaje más acomplejado por la desgracia, en parte por sentirse culpable y por otro lado por la etapa de su vida en que se produce esta pérdida. Merecido su Oscar como mejor actor de soporte.

Mary Tyler Moore y Donald Sutherland consiguen hacer creíble cada escena del filme, y aportan la cuota de experiencia para darle a la cinta el toque aplomado y sobrio necesario para este tipo de filmes.

Los diálogos son profundos, una demostración de exposición de sentimientos en distintas situaciones.

En definitiva, una gran película que nos hace sumergir en el mundo trágico de una familia tipo, donde cada uno de sus componentes deberán tratar de adaptarse lo mejor posible al duro golpe que la vida le deparó. Recomendable alternativa reflexiva. (Betomovies: Betomoviesyelcine.blogspot.com)

 
 
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Vive Como Quieras

Título Original - You Can't Take It With You

Año - 1938

Director - Frank Capra

Elenco - James Stewart, Jean Arthur, Lionel Barrymore, Edward Arnold, Mischa Auer, Ann Miller

Ganadora del Oscar 1938 a la Mejor Película

"Vive como quieras" es una joya de película, es un dulce para el espíritu, una caricia en el corazón, un rayo de luz para la razón.

Es un rayo de luz para la razón porque, en este mundo en el que vivimos, en el que la felicidad depende de  acumular bienes que no nos satisfacen, que nunca nos saciarán; aquí, en esta película, nos sugieren dejar de perseguir espejismos; nos disuade de creer cada día que si corremos un poco más un día alcanzaremos nuestra sombra; o de intentar en vano, una y otra vez llenar un saco sin fondo.

Es una caricia para el corazón porque nos anima a buscar la anhelada felicidad en las cosas próximas como en un trabajo que nos satisfaga, -aunque no podamos abultar una cuenta bancaria para comprar cosas banales, que una vez adquiridas dejan de tener el valor que le atribuimos-, nos sugiere cuidar unas relaciones personales más afectivas y auténticas, como es la familia, los amigos y los vecinos. No necesitamos de los compromisos, la apariencia o el halago, solo hemos de atrevernos a vivir como queramos, de forma más auténtica, según nuestro profundo sentir.

Esta película es un dulce para el espíritu, porque nos hace pasar una agradable velada al reconciliarnos con nosotros mismos. Esta película es pues, repito, una auténtica joya. (Bonifacio: Filmaffinity)

 
 
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Sol De Medianoche

Título Original - White Nights

Año - 1985

Director - Taylor Hackford

Elenco - Mikhail Baryshnikov, Gregory Hines, Isabella Rossellini, Helen Mirren, Jerzy Skolimowski

Creo que Sol de Medianoche es una de esas películas que ha quedado irremediablemente en el olvido, o a la sombra de otras mejor calificadas y aún no se por qué. No es una película romántica, ni tampoco de guerra, sin embargo el amor y la lucha por la libertad están presentes en todo momento. La banda sonora inolvidable (Say yo, say me de Lionel Ritchie o Separate lives de Phil Collins & Marilyn Martin). Muy recomendable. (Zinnia: Filmaffinity)

 
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El Archivo De Odessa

Título Original - The Odessa File

Año - 1974

Director - Ronald Neame

Elenco - Jon Voight, Maximilian Schell, Maria Schell, Mary Tamm, Derek Jacobi, Peter Jeffrey

La película nos cuenta como un periodista independiente (John Voight) se topa con diario de un judío alemán que estuvo en el campo de concentración de Riga. Al leer tales barbaridades sobre los métodos de las SS, concretamente del sargento Roschmann, quien se encargaba de mandar al infierno a toda la escoria que amenazaba su querida patria, queda muy conmocionado, y decide empezar a investigar si todavía el carnicero de Riga vive.

Las pistas que consigue a medida que tira del hilo son revelatorias, ya que parece ser que Roschmann vive como un señor en alguna parte de Alemania, gracias a una organización llamada Odessa, que presta ayuda a antiguos miembros nazis para escapar de Europa, o colocarlos en Alemania con una nueva identidad.

Además, éstos poseen mucha riqueza y poder, puesto que con la dictadura de antaño algunos dirigentes se hicieron de oro, y al tener contactos e influencias muy importantes dentro del sistema de la Alemania occidental (ya sean policías, jueces, industriales, banqueros, políticos, y demás fauna) se volvieron inmunes al largo brazo de la Justicia. Está claro que los ganadores siempre tienen a gente que les admira y los apoya. El periodista tampoco está solo, sino que colabora con el famoso caza-nazis Simon Wiesenthal, además de recibir ayuda por parte de los agentes de Israel.

La historia se basa en una novela del escritor Frederick Forsyth, y se puede decir que la cinta es interesante, obviamente más por su contenido histórico y veracidad con los hechos que ocurrieron en la Alemania nazi, que por su intriga. Voight hace un trabajo correcto, pero sin más. En definitiva, estamos ante una digna película de espías basada en hechos reales. (Kriza: Filmaffnity)

 
 
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Botín A Bordo

Título Original - Mutiny On The Bounty

Año - 1935

Director - Frank Lloyd

Elenco - Charles Laughton, Clark Gable, Franchot Tone, Herbert Mundin, Eddie Quillan, Dudley Digges

Ganadora del Oscar 1935 a la Mejor Película

Cuesta mucho trabajo darle la suficiente magnitud a una película que tiene más de 70 años, pues en verdad que quizás sea bastante injusto en catalogarla como sólo buena, pero creo que es el calificativo que mejor se ajusta al filme.

Filme ganador del Oscar a mejor película, y es extraño que lo haya logrado siendo una cinta de aventuras neta. En la cinta se muestra cómo las leyes marítimas eran injustas, donde la tripulación era maltratada a niveles infrahumanos. La tiranía y el despotismo de los que ejercen el poder contra aquellos que deben obedecer. El filme aborda una historia de iniquidades, maltratos hasta el límite del asesinato. El concepto del abuso del poder está magníficamente retratado en el Capitán William Bligh, interpretado por un estupendo Charles Laughton, quien compone un personaje repulsivo y autoritario, que insensiblemente hará estragos con sus súbditos haciéndoles padecer todo tipo de torturas si no cumplen con sus órdenes. Me ha parecido realmente una actuación de antología, y a ella le puedo sumar las interpretaciones de Clark Gable y Franchot Tone. Juntos constituyen un excelente trío en los protagónicos.

Durante el filme vivimos intensas aventuras en un viaje en barco, donde se producen abusos de autoridad que llevan a la tripulación a una rebelión para acabar con tanta injusticia y maltratos. La película se va haciendo más emocionante a medida que las variantes del filme van adoptando ideales de libertad y la búsqueda de acabar con la opresión sin importar las consecuencias que ello puede acarrear. Por momentos, uno logra la suficiente empatía con quienes son subyugados y el filme sirve como propuesta dramática reflexiva y al mismo tiempo se respira deseos y anhelos por lograr una calidad de vida mejor donde se pueda convivir respetando los derechos básicos del ser humano.

Gran filme que combina aventura y dramatismo, una cinta que goza como dije de excelentes actuaciones, una magnífica puesta en escena y ambientación, a lo que se le suman unos bellos ideales de pacifismo y equidad que no pecan de utópicos en ningún momento. (Betomovies: Betomoviesyelcine.blogspot.com)

 
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Un Buen Hombre

Título Original - Good

Año - 2008

Director - Vicente Amorim

Elenco - Viggo Mortensen, Mark Strong, Jason Isaacs, Steven Mackintosh, Gemma Jones

Otra película sobre el régimen nazi. Otra película que pretende abordar esa parte que menos se ha explotado: el como el pueblo alemán sucumbió a las ideas de Hitler. Otra película que parte de un gancho aparentemente fuerte, para no ofrecer nada significativo.

La historia de este profesor de literatura es difusa, el metraje avanza dando trompazos entre los diferentes frentes que componen la vida de este profesor, pero lo hace de un modo tan brusco y a la vez tan superficial que no llega a decirte nada. Ni el retrato de la familia desestructurada, ni las escenas con la joven amante que parece que debe devolverle la ilusión, ni la relación con el amigo judío, ni las contradicciones que le supone relacionarse de un modo tan cercano con el régimen nazi, llegan al espectador con la suficiente fuerza.

Viggo interpreta un personaje apático con una interpretación anémica, eso podría parecer bueno, pero no, no lo es. Su interpretación es plana, no se percibe ningún cambio, ni un sólo matiz en cada una de las diferentes situaciones antes mencionadas, simplemente pone esa cara de compungido perenne y pose dubitativa suceda lo que suceda. Nada parece turbarle ni sosegarle, desde el inicio de la película no se aprecia progresión o cambio alguno en su personaje, siempre es el mismo, en todos los aspectos, no cambia ni su estado anímico, ni su pose, ni su cara de pena, nada.

La historia, pues como la actuación de Viggo, anémica, pasa, se sucede, se olvida. No llega a emocionar en ningún momento, y escenas para ello tenía unas cuantas, pero no llega. Y es que ni tan siquiera me atrevería a considerarla fría, porque una historia de este tipo está claro que exige de otro tono, por lo que el único adjetivo que me queda es: fallida. (Simpkins: Filmaffinity)

 
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La Luz Es Para Todos

Título Original - Gentleman's Agreement

Año - 1947

Director - Elia Kazan

Elenco - Gregory Peck, Dorothy McGuire, John Garfield, Celeste Holm, Anne Revere, June Havoc

Ganadora del Oscar 1947 a la Mejor Película

Un Kazan, cada vez más genial, filma la primera de sus excelsas películas. En " La luz es para todos", Kazan lucha -porque lo suyo es una lucha cruenta y salvaje- contra el antisemitismo-, pero sobre todo golpea al que abandera la causa de la protesta por el antisemitismo imperante y luego no es más que un despreciable y   "educado" racista. Contra ello Kazan no descansa y al personaje de Philip se le revuelve el estómago contra los falsos pactos de caballero y contra la hipocresía del "ni una mala palabra, ni una buena acción ".

La puesta en escena y la fotografía son espléndidas. El guión magnífico. Los personajes, bien perfilados,magistralmente dirigidos y soberbiamente representados. Es difícil destacar a uno por encima de otro porque todos presentan un nivel excepcional.  "La luz es para todos" es una joya del séptimo arte. Casi una obra maestra. (El Chulucu: Filmaffinity)

 
 
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Confusión De Amor

Título Original - Just Wright

Año - 2010

Director - Sanaa Hamri

Elenco - Queen Latifah, Common, Paula Patton, Pam Grier, Phylicia Rashad, Michael Landes

Predecible a más no poder, sin tener un mínimo toque de sorpresa que pueda desencasillarte, y como no es lo mejor de este tipo (menos mal), aburre y te mantiene sin ningún tipo de tensión. Los personajes son poco creíbles, y menos aún el cambio que pegan algunos en la película.

Lo único que me agradó realmente fue el papel realizado por Queen Latifah. Es una de esas personas que caen bien con facilidad creo. En definitiva, esquívala si puedes, tampoco va a salvarte alguna tarde aburrida. (Ramirez 13 : Filmaffinity)

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El Ultimo Maestro Del Aire

Título Original - The Last Airbender

Año - 2010

Director - M. Night Shyamalan

Elenco - Noah Ringer, Dev Patel, Jackson Rathbone, Nicola Peltz, Shaun Toub, Aasif Mandvi

Esta película habla de los cuatro elementos clásicos: aire, agua, tierra, fuego. Pues bien, el resultado que consigue es el mismo que mezclando agua estancada y tierra: fango. Un fango con el que el espectador se ensucia sin remedio.

Guión propio de principiante de serie-B donde los diálogos de los personajes son continuamente usados sin pizca de sutileza para explicar la trama y resumir la situación al espectador, al cual no sé por qué se le supone tonto y se le repite varias veces las cosas.

Dirección propia de un egocéntrico sin talento que intenta hacer evidente su estilo. Hay varios ejemplos de ello, pero el más claro de la mala dirección es la escena de una audiencia con el rey-fuego: plano presentando la espalda del mensajero caminando hacia el trono, plano de la nuca del rey que habla con el mensajero difuminado al fondo, plano de la mano del rey que habla con el mensajero difuminado al fondo... ¿no sería mejor mostrar las actuaciones de los actores? Otras audiencias se solventan directamente con las voces en off de los personajes sobre un plano lejano del lugar de reunión.

Las escenas de lucha, sobre todo en comparación con las de otras películas (como el "Robin Hood" de Ridley Scott por ejemplo), son de una ridiculez increible; por ejemplo, es un despropósito la primera lucha en exteriores rodada en un único plano donde las acciones de lucha aparecen en secuencia en lugar de producirse simultáneamente.

En fin, primera parte de una saga que amenaza con crear más fango. Lo único de agradecer es que el guionista-director traslade todo este lío a un mundo de ficción y no lo mezcle con la realidad como hacía en anteriores películas. (Iscem: Filmaffinity)

 
 
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Pasión Dominguera

Título Orginal - Pasión Dominguera

Año - 1970

Director - Emilio Ariño

Elenco - Jorge Porcel, Luis Tasca, Fidel Pintos, Nathán Pinzón, Perla Caron, Federico Luppi, Beto Gianola

La pasión que despierta el fútbol entre los argentinos. Un escribano, un sepulturero o un carterista, todos son iguales en las tribunas, vibrando y emocionándose como niños.

Poco más de lo expuesto anteriormente en esta anecdótica película casi arqueológica; más documental que otra cosa. Chata, aburrida; donde ni las casuales presencias de renombradas figuras de la escena argentina la salvan de la debacle.

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El Mural

Título Original - El Mural

Año - 2010

Director - Héctor Olivera

Elenco - Luis Machín, Carla Peterson, Ana Celentano, Bruno Bichir, Sergio Boris, Camilo Cuello Vitale

El veterano director argentino Héctor Olivera (“La noche de los lápices”, 1986) vuelve ponerse detrás de la cámara para mostrarnos, si bien una historia ubicada en los años treinta, con un ritmo pausado para la poesía, la pintura, el sexo y las pasiones que abarcan los personajes involucrados en sus propios intereses y emociones; un film que en su intertexto también nos habla del cuarto poder, en una época donde convivían marchas fascistas y manifestaciones obreras con banderas revolucionarias.

Asimismo, la historia relata los desiguales acontecimientos que llevaron al pintor y muralista mexicano David Alfaro Siqueiros (Bruno Bichir) a realizar un famoso mural. En medio de esta circunstancia, personajes como la escritora y anarquista Salvadora Medina (Ana Celentano), el magnate Natalio Montoya (Luís Machín), Blanca Luz Blum (Carla Peterson), la esposa de Siquerios y Pablo Neruda (Sergio Boris), no exploran si no que juzgan y prejuzgan una época y circunstancias sin desahogo alguno. Al menos el realizador argentino trata de subrayar con algunas metonimias algo precipitadas, lo antes enunciado en muchas escenas de una película fundamentalmente buena.

En resumen, así como el exquisito documental "Los próximos pasados" (2006), de la realizadora Lorena Muñoz, investigaba el destino corrido por este mural de Siqueiros, posteriormente fraccionado y encerrado en un contenedor durante años de litigios judiciales sacando a la luz la ominosa situación en que había devenido aquella gloriosa pintura; este film de Olivera completa magníficamente desde la ficción todo lo que no podía ser dicho desde el registro histórico. (Gonzalo Restrepo Sánchez & Adela Hache: Filmaffinity)

 
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El Origen

Título Original - Inception

Año - 2010

Director - Christopher Nolan

Elenco - Leonardo DiCaprio, Ken Watanabe, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard, Ellen Page

He aquí una idea que nadie podrá sustraerte: “El Origen” es una experiencia que te lleva al límite del entretenimiento más puro del cine de evasión, y que te deja ahí, en el borde, levitando, con la mente a merced de algo tan preciado y voluble como la fascinación. Los sueños de DiCaprio y compañía no son como los míos (como sí lo eran, por cierto, los de la incomprendida y denostada “Inland Empire”, la película que mejor ha plasmado cuán inexplicables son los sueños que engendra la psiquis humana), pero no por ello dejan de resultar increíblemente entretenidos. Nolan, al contrario que Lynch, apuntala la lógica, sabedor de que está en el imperio exterior del cine más comercial, y rehúye todo atisbo de ambigüedad onírica o confusión conceptual, pero te conquista con su fuerza narrativa, su cuidada estética y sus ingeniosas evoluciones. Desciendas al nivel que desciendas, en todo momento estarás en la obra cumbre de un creador en estado de gracia, con diálogos y escenas que inundarán los recovecos de tu mente. Así, la opción de “El Origen” no puede ser otra que dejarse llevar por esta maravilla de película, que desarrolla de forma implacable y sin fisuras una idea grandiosa. El disfrute es sólido, potentísimo, y al acabar sentirás que el placer de este sueño cautivador apenas se evapora en medio de una banda sonora inolvidable. ¡Despierta! (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)

 
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Wall Street 2: El Dinero Nunca Duerme

Título Original - Wall Street 2: Money Never Sleeps

Año - 2010

Director - Oliver Stone

Elenco - Shia LaBeouf, Michael Douglas, Carey Mulligan, Susan Sarandon, Frank Langella, Josh Brolin

Con la primera Wall Street, el cineasta Oliver Stone retrató el mundo de las finanzas desde su mismo punto neurálgico, sacándose de la manga a un villano de los que hacen época que, gracias a la labor de Michael Douglas, se convirtió en uno de esos mitos con los pies muy bien puestos en el suelo, capaces no sólo de inquietar al espectador sino de retratar muy bien el intríngulis, la tesis de fondo del film. Una película que, vista ahora, resulta brillante en su primera mitad y un tanto floja en su desenlace, pero finalmente acertada tanto en fondo como, sobre todo, en forma. Los trascendentales e históricos ¿cambios? vividos en los últimos años en la economía mundial hacían viable una segunda parte de aquel film.

Lo que hay que alabar de Wall Street: el dinero nunca duerme (frase que, por cierto, Gordon Gekko pronunciaba durante el metraje de la primera entrega) es el increíble dominio cinematográfico de Stone, capaz de compaginar en poco más de dos horas las distintas facetas de una trama donde todo está íntimamente relacionado y cohesionado. Drama familiar, datos históricos sobre la burbuja y el crack financiero, humor negro y retrato humano de la fauna que puebla los despachos del mundo del citado distrito, aparecen como un todo indisoluble que guía hacia delante una trama que no se detiene ni un segundo. Todo aparece explicado claro y diáfano en un relato apasionante bajo la experta mano de Stone, cineasta capaz de rebajar su belicosidad de izquierdas para amoldarse a los requerimientos de una superproducción de estudio sorprendentemente adulta para los tiempos que corren.

Todo eso es suficiente para recomendar el visionado de Wall Street: el dinero nunca duerme en la gran pantalla, por mucho que a la película le falte algo de verdadera emoción, sentimiento y suspenso. Pero se trata de un filme entretenido, espectacular, didáctico (que no discursivo) y brillantemente contado, por mucho que tenga graves defectos, hasta cierto punto heredados y compartidos con la primera película. Así, las maniobras del dinosaurio Gordon Gekko y sus equivalentes actuales (retratados, aquí sí, como algo mucho más dañino que una personalidad individualista como la de aquel, cuyas garras nunca se extendieron al ámbito político) son relativamente previsibles y los giros finales provocan poco asombro. Lo que atrapa del film es su retrato humano y la forma de hilar un guión complejo en un conjunto muy equilibrado. (William Muny: Filmaffinity)

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La Jaula De Las Locas

Título Original - La Cage Aux Folles

Año - 1978

Director - Edouard Molinaro

Elenco - Ugo Tognazzi, Michel Serrault, Michel Galabru, Claire Maurier, Rémi Laurent, Carmen Scarpitta

Una película impensable en varios paises en 1978 y que Mike Nichols aún tardó en versionar para E.E.U.U. casi veinte años con idéntico acierto. Su temática homosexual, sus diálogos ambiguos y sus enrevesadas situaciones la convierten en una apuesta cómica arriesgada para esa época, lo cual demuestra la liberalidad del pensamiento y la mentalidad de los franceses.

Con unos geniales Tognazzi y Serrault, - especialmente el segundo en su faceta de travesti - "La Jaula de las Locas" es una delirante muestra de humor, con unas genialidades tremendas. Y si no, atención al sirviente de Renato y Albin como ejemplo de las mismas. Muy recomendable para pasar un rato divertidísimo. (Luis Miguel: Filmaffinity)

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La Redada

Título Original - La Rafle

Año - 2010

Director - Roselyne Bosch

Elenco - Jean Reno, Mélanie Laurent, Gad Elmaleh, Raphaëlle Agogué, Hugo Leverdez, Udo Schenk

En la noche del 16 de julio de 1942, 4500 policías y gendarmes franceses del gobierno colaboracionista del Mariscal Petain, que había firmado un armisticio con Hitler y aceptado la ocupación de Francia por el ejército alemán, procedieron a una gigantesca redada en París, en la que fueron detenidos 13.152 judíos y encerrados en el Velódromo de invierno de esta capital, en condiciones infrahumanas. Dictada por el ejército nazi y ejecutada por funcionarios franceses la operación de primavera preveía en realidad la detención de 27.391 judíos, pero junto a la colaboración hubo también excepciones, resistencia activa y pasiva. La desobediencia civil de muchos ciudadanos y de algunos funcionarios permitió escapar a una buena parte de los que habían sido previamente fichados y marcados con la estrella amarilla.

"Los franceses curan sus heridas del pasado y del colaboracionismo. Esta película es un ejercicio de autocrítica muy encomiable. Pero también muestra lo mucho que los franceses hicieron para evitar las deportaciones de judíos hacia la muerte. Una película estupenda. Los actores están maravillosos en sus papeles, la dirección impresionante, ambientación y localizaciones soberbias. Cine para no olvidar lo que sucedió. Al principio de la película se avisa que todo está basado en hechos reales, y en testimonios de supervivientes. Por eso impresiona ver a esos niños con ositos de peluche rumbo a Auschwitz. Es una película dura, pero fue así como ocurrió. (Aarus: Filmaffinity)

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El Experimento

Título Original - The Experiment

Año - 2010

Director - Paul Scheuring

Elenco - Adrien Brody, Cam Gigandet, Maggie Grace, Forest Whitaker, Clifton Collins Jr

¿Quién puede decirle a Hollywood que no tiene derecho a realizar cuanto remake se le ocurra? Está en su derecho de gastar su dinero como crea necesario. Pero ya que hablamos de necesidad, estoy absolutamente convencido de que esta readaptación no era necesaria. Y no lo es porque la versión alemana está aún muy fresca como para que se la deba revisar, y porque además ya aquella versión original nos dejaba bien en claro sus mensajes críticos en contra de la impulsividad y el instinto bestial del ser humano cuando se le otorga el poder.

No por el hecho de que ahora este remake esté interpretado por actores más consagrados y con cierto renombre se justifica su realización. Y me parece más innecesaria aún ahora que la he visto y veo que no se aporta nada nuevo y que no se la mejora en ningún aspecto.

Aún así tampoco hay que decir que el filme sea una porquería, porque si alguna capacidad positiva tienen los estadounidenses es la de saber fotocopiar una obra original y presentarla a su manera.

Este filme conserva en cierta forma el espíritu de la obra original, donde un grupo de personas aceptaban formar parte de un experimento psicológico sin preguntar siquiera de qué se trataba, ya que sus necesidades económicas sólo les hacían pensar en la paga.

Este remake nos muestra -como también lo hacía la obra alemana del 2001- lo que el ser humano es capaz de hacer cuando se le da poder para dominar sobre el otro, donde se pone de manifiesto el instinto violento de las personas y las innatas ganas de abusar de la autoridad que se le concede cuando se da la oportunidad.

La cinta nos quiere mostrar que el ser humano posee (aún en estos tiempos donde nos vanagloriamos de ser muy civilizados y de estar en lo más alto de la cadena evolutiva) una esencia bestial propia de los animales, sobre todo cuando se trata de la supervivencia y del dominio del otro a través del poder y de la fuerza bruta.

Un filme que nos muestra un experimento en donde se usan de conejillos de indias a los seres humanos para estudiar sus conductas y sus reacciones ante determinadas circunstancias provocadas intencionalmente. Desde ese aspecto psicológico y sociológico es una cinta interesante, sobre todo porque sabemos que la obra original estaba basada en hechos reales.

En fin, además de innecesaria porque ya existe una versión más lograda, también hay que mencionar que este remake norteamericano desarrolla menos a los personajes, no logra provocar tanta inquietud y nervio, no goza del beneficio de una buena banda sonora que sugiera el caos como sí pasa en la película alemana y tampoco se terminan de argumentar muy bien las situaciones que dan vida a una historia que desarrollada de esta manera pierde bastante en comparación a la original.

Poco más para decir, sólo recomendar mirar la película alemana y obviar este remake. (Betomovies: Betomoviesyelcine.blogspot.com)

 
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Carancho

Título Original - Carancho

Año - 2010

Director - Pablo Trapero

Elenco - Ricardo Darín, Martina Gusman, Darío Valenzuela, Carlos Weber, José Luis Arias

Carancho se refiere a esas aves de rapiña que sacan tajada de la desgracia ajena. Sosa (Darín), es un abogado caído a menos, trabaja para una fundación que cobra seguros por accidentes de gente desamparada, pero terminan estafando a los damnificados. Trapero lo filma con un notable realismo, a través de unas imágenes oscuras que logran transmitir muy bien esa realidad inquietante. Darín muy bien en su papel, aunque más de lo mismo, el típico chanta argentino culposo, que busca redimirse. Lo de la chica (Martina Gusman) es excelente, logra encarnar un personaje ingenuo pero muy complejo. El criticado final, a mí me gustó bastante. (Emiliano: Filmaffinity)

 
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La Bolsa O La Vida

Título Original - The Noose Hangs High

Año - 1948

Director - Charles Barton

Elenco - Bud Abbott, Lou Costello, Joseph Calleia, Leon Errol, Cathy Downs

En esta oportunidad, Abbott y Costello son dos lavadores de ventanas que son confundidos por Nick Craig, un apostador que espera pues los mensajeros al que envia 50 mil dolares se desvanecen con el dinero... Otra excusa para los fans coleccionistas de A & C

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Igualita A Mí

Título Original - Igualita A Mí

Año - 2010

Director - Diego Kaplan

Elenco - Adrián Suar, Florencia Bertotti, Claudia Fontán, Gabriel Chame Buendía, Ana María Castel

Hace varios años que Adrián Suar viene realizando comedias, algunas con mayor o menor suceso, digamos que es un especialista en la materia, por ende quienes concurren a ver una película de Suar ya tienen idea de lo expone, por ello pretender que vamos a ver a Bergman es una de una estupidez absoluta.  Ahora bien, teniendo en cuenta que estamos hablando de productos “made by Suar”, hay productos buenos y malos y en este caso es un producto más que aceptable.

Porque es un producto más que digerible, las actuaciones son correctas, la producción es cuidada, pero fundamentalmente el guion cierra, las comedias normalmente empiezan bien y luego van decayendo y uno normalmente tiene ganas de irse pasada la mitad de la película, en este caso el guion es logrado y mantiene el nivel a lo largo del filme, lógicamente no es una película que pasara a la historia pero cumple adecuadamente su objetivo de entretener durante poco menos de dos horas. En síntesis es una comedia de Suar que cumple su objetivo básico de entretener, lo cual no es poca cosa en estos tiempos. (Guillermo Herrera: Filmaffinity)

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El Príncipe De Persia : Las Arenas Del Tiempo

Título Original - Prince f Persia: The Sands Of Time

Año - 2010

Director - Mike Newell

Elenco - Jake Gyllenhaal, Gemma Arterton, Ben Kingsley, Alfred Molina, Steve Toussaint

Jerry Bruckheimer. Todo aquello que lleva su firma triunfa. En este caso nos trae un producto de entretenimiento rápido para ser consumido y destinado a ser olvidado a los cinco minutos después de haber sido ingerido. La adaptación del videojuego de Ubisoft llega dispuesta a arrasar entre el público más juvenil y dicharachero. El film producido por Jerry Bruckheimer (Piratas del Caribe) tiene todas las características de un éxito como la trilogía que protagonizó Johnny Depp.

Una aventura exótica que apuesta por el espectáculo cinematográfico en su acepción más liviana, sin complicarse la existencia, y se puede decir que, más o menos, consigue lo que se propone, ya que pese a su linealidad y sus convencionalismos en el guión al menos ofrece unas pequeñas dosis de acrobacias, romance y humor capaz de satisfacer a casi todos los públicos.

Afortunadamente, Prince of Persia se aleja lo suficiente de otras adaptaciones de videojuegos y esta vez el resultado es casi una adaptación perfecta, en comparación con otras franquicias como Resident Evil. Todo esto es suficiente para mantenernos distraídos entre una escena de acción y otra mientras Mike Newell se limita a cumplir en la dirección pero su labor carece de todo asomo de estilo o clase.

Gemma Arterton es la única que desprende vida a lo largo de todo el relato, haciendo gala de un encanto y belleza que supera todas las expectativas, hasta el extremo de que su presencia eclipsa la de un correcto Jake Gyllenhaal que no acaba de encontrarse. No obstante, ahí están secundarios como Alfred Molina para aportar distensión y diversión a una aventura mecánica y ruidosa, pero consciente de su ligereza e intrascendencia.

En definitiva Prince of Persia es probablemente la mejor adaptación de videojuegos al cine de toda la historia, pero lógicamente está a años de luz de similitud con el juego, pero es una buena película de aventuras que, repito, se degusta y se olvida con mucha facilidad. (Cinemaníaco2: Filmaffinity)

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La Fiesta Inolvidable

Título Original - The Party

Año - 1968

Director - Blake Edwards

Elenco - Peter Sellers, Claudine Longet, Marge Champion, J. Edward McKinley, Fay McKenzie

Una disparatada comedia que goza de todo el carisma y despliegue histriónico de Peter Sellers. Un filme que comienza con una propuesta entretenida y auspiciosa, pero que en determinado momento decae en intensidad y por ende en su efectividad humorística por resultar redundante y tosca en sus gags. A ello se le suma la ausencia de una historia bien concebida en detalles que verdaderamente interese, más allá del absurdo que por momentos funciona.

La cinta se transforma en una sucesión de enredos, idas y vueltas que al principio resultan divertidas y ocurrentes manteniendo con una sonrisa al espectador, pero con el transcurrir del metraje las variantes se tornan reiterativas hasta llegar a un alocado desenlace donde se nota la improvisación del guión.

Una cinta de a ratos burlesca, con una banda sonora fresca y desenfadada que acompaña sutilmente las alternativas y con el agregado especial de la belleza estética en pantalla de la parisina Claudine Longet. No obstante no llega a consolidarse a mi criterio como una película que promueva indefectiblemente a la carcajada continua. (Betomovies: Betomoviesyelcine.blogspot.com)

 
 
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La Mandolina Del Capitán Corelli

Título Original - Captian Corelli's Mandolin

Año - 2001

Director - John Madden

Elenco - Nicolas Cage, Penélope Cruz, John Hurt, Christian Bale, David Morrisey, Irene Papas

Penélope Cruz es una chica griega que se debate entre su novio de siempre y un capitán italiano cuyas tropas ocupan el pueblo. El director de "Shakespeare in Love" vuelve a la carga con un drama romántico al más puro estilo Hollywood; una historia de triángulo amoroso adornada por bellos paisajes y con la II Guerra Mundial como telón de fondo. Madden no arriesga un ápice y le sale un filme correcto, pero previsible y monótono, sin encanto ni fuerza. (FILMAFFINITY)

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La Hoguera De Las Vanidades

Título Original - The Bonfire Of The Vanities

Año - 1989

Director - Brian De Palma

Elenco - Tom Hanks, Melanie Griffith, Bruce Willis, Morgan Freeman, F. Murray Abraham, John Hancock

Sherman McCoy es un broker de Wall Street que lo tiene todo: esposa, amante, un apartamento en Park Avenue, un sueldo multimillonario y una aparentemente intocable vida instalada en el lujo. Pero una noche se confunde de salida en la autopista y da a parar con su flamante coche a un peligroso barrio del sur del Bronx... Crítica y público (De Palma suele conseguir que sus opiniones coincidan) condenaron a un estrepitoso fracaso la prometedora adaptación de uno de los mejores best-sellers de final de siglo, el de Tom Wolfe. La historia del "amo del universo" que se ve envuelto en una situación angustiosamente comprometida no consiguió el ritmo ni la credibilidad de la excelente novela del escritor americano. Muy floja. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)

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