Harry Brown

Título Original - Harry Brown

Año - 2009

Director - Daniel Barber

Elenco - Michael Caine, Emily Mortimer, Iain Glen, Jack O'Connell, Liam Cunningham, Amy Steel

Hay una gran paradoja en esta cinta que pretende dejar moralejas de fondo: es un thriller de acción que cuenta con la finura y la solvencia escénica de un gran actor como es Michael Caine, pero que contrariamente posee un argumento bastante excedido desde el aspecto lógico como para resultar serio en su pretensiones críticas hacia los estragos de la droga y la delincuencia juvenil.

La historia nos presenta a un ex soldado ya anciano que tiene la desgracia de vivir en un barrio donde las pandillas juveniles aquejan mediante negociados de armas, crímenes, narcotráfico y actos de vandalismo. Cuando su mejor amigo es asesinado, el veterano militar decidirá vengar su muerte y hacer justicia por mano propia.

La cinta posee una atmósfera pesada, ya que nos interna en el mundillo de la criminalidad donde los sujetos actúan bajo los efectos de los estupefacientes y en donde se mata por entretenimiento o por la imperiosa necesidad de conseguir dinero para drogarse.

Justo en un barrio de esas características ha ido a parar este ex militar que supo en otro tiempo luchar y batallar por el honor de su país y por la consecución de fuertes ideales. Un hombre que guarda en forma recelosa en su memoria hechos del pasado relacionados a su desenvolvimiento bélico y que hoy día le atormentan. Pero dado las situaciones de inseguridad en que se vive allí, no dudará en usar su entrenamiento para dar escarmiento a quienes en la actualidad son sus "enemigos".

Desde ese punto de vista puede leerse entre líneas que hay una crítica hacia las secuelas psicológicas de las guerras, donde los soldados por su entrenamiento terminan siendo máquinas de matar que difícilmente puedan llevar tranquilamente en sus conciencias los hechos que cometieron en el pasado.

Por lo demás estamos en presencia de una cinta bastante densa en sus climas donde la opresión psicológica y el peligro están constantemente acechando. Hay además bastante explicitud desde lo sangriento, y si bien es una cinta interpretada por un actor de tercera edad, es una aceptable oferta donde el sensacionalismo, el vértigo y el ruido aparecen mucho en escena.

En fin, tiene que quedar en claro que en esta película detrás de la acción que se manifiesta en una furiosa venganza, hay una profundidad crítica interesante contra los efectos indeseables de la droga y de las contiendas bélicas.

También hay que tener presente que el filme es exagerado en sus alternativas y por allí se torna un tanto inverosímil, típico del producto de acción que quiere resultar llamativo en su violencia. Ello resultará interesante a quienes busquen un pasatiempo impactante pero molestará a quienes quieran ver una cinta aplomada y realista. (Betomovies: Betomoviesyelcine.blogspot.com)

 

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El Corredor Nocturno

Título Original - El Corredor Nocturno

Año - 2009

Director - Gerardo Herrero

Elenco - Leonardo Sbaraglia, Miguel Ángel Solá, Erica Rivas, Jorge Sabate, Marta Lubos

La historia que plantea "El corredor nocturno", basada en la novela del escritor uruguayo Hugo Burel, habla de nuestra época, en el contexto de un sistema económico con grietas visibles en todas partes. Enfoca el mundo de los hombres de negocios que viven para el éxito laboral, descuidando su vida personal. Siempre presionados -eso sí-, para ascender en una pirámide que se sustenta cruelmente en el fracaso de los que quedaron abajo. Un tema que por supuesto no es nuevo y ha sido tratado en películas muy vistas como "El abogado del diablo" o para dar un ejemplo bien cercano para los argentinos: "El método" de Marcelo Piñeyro o "Cuestión de principios" del rosarino Rodrigo Grande, aunque en esta última había algo que aquí está ausente: el humor.

Como el personaje que interpretaba Fred Mac Murray en "Perdición" de Billy Wilder o el de Edward Norton en "El Club de la pelea", el mundo laboral de Eduardo (Sbaraglia) es el de la venta de seguros. Este hombre de negocios acostumbrado a vivir bajo constantes presiones, que vive acelerado y corre para desestresarse, se cruza en un aeropuerto con Raimundo Conti (Solá), un personaje tan oscuro como poderoso, un ejecutivo que ya ha alcanzado el nivel al que aspira Eduardo. La relación deriva en un asedio que remite básicamente al eterno arquetipo de Mefistófeles y Fausto.

La película tiene su costado de crítica social canalizado en el formato de un thriller psicólogico. Es una construcción compleja armada con una expresión aparentemente simple.

El personaje mefistofélico (Solá) tiene una constante manipulación sobre el de Sbaraglia. Sabe datos turbios de su pasado y de su carrera laboral, insiste en el costado más infame de este flamante gerente y no cree en sus escrúpulos ni justificaciones. Intenta romper su máscara socialmente correcta y que reconozca hasta qué punto está metido en un engranaje implacable, del que además es un fiel servidor.

En el fondo se trata de un relato moralizador en forma de viaje interior, como el eterno contrapunto entre Fausto y Mefistófeles que son dos caras de la misma moneda, que reflejan dos dimensiones del ser humano, su lucha entre la oscuridad y la luz.

La película enfatiza la ambigüedad y confunde fronteras entre realismo fantástico y lenguaje metafórico. Están las características que acercan el film al género fantástico, es decir, la vacilación del espectador en torno a la realidad de los fenómenos narrados, pero al mismo tiempo es posible también una lectura alegórica a la que finalmente parece inclinarse.

El punto fuerte de "El corredor nocturno" está en lo actoral y la corrección técnica pero el guión y los diálogos se pierden en la incertidumbre de la historia, en su ambigüedad creciente, que termina tragándose todo, porque la batalla es más interna que externa, como boxear con la propia sombra. (Rouse Cairos: Filmaffinity)

 

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Ligeia

Título Original - Edgar Allan Poe's Ligeia

Año - 2008

Director - Michael Staininger

Elenco - Wes Bentley, Kaitlin Doubleday, Sofya Skya, Michael Madsen, Eric Roberts

La versión fílmica de los 60's de Roger Corman era enrevesada y bien poco valía la pena perder tiempo en ella, ni siquiera para ver al magnífico Vincent Price en pantalla. Esta revisión moderna de la obra de Edgar Allan Poe tampoco es mejor, aunque al menos es más entendible. Es una cinta que huele de lejos a serie B, con efectos visuales muy pobres y con actuaciones apenas discretas.

En el elenco vemos nombres de actores que ya están camino de vuelta en sus trayectorias tales como Michael Madsen o Eric Roberts. Mientras que los demás son actores de medio pelo, excepto Wes Bentley quien pareciera estar muy necesitado de trabajo para terminar metido en un proyecto de esta naturaleza.

La película nos ofrece una pobre oferta de terror sobre posesiones, maldiciones y espíritus de ultratumba. Ni pensar que esta propuesta puede llegar a ser sugerente a la hora de meter miedo a la platea, pues todo lo contrario, es una muy trillada alternativa que desarrolla circunstancias sosas que no entusiasman casi nunca en sus variantes.

Pareciera ser una típica película sacada directamente para el mercado del videoclub, pero vaya a saber por qué razones pareciera que esta obra se llegó a estrenar en el 2009 en algún que otro festival de cine de muy mala calidad.

En verdad que no merece la pena perder el tiempo en una película como ésta en estos tiempos que corren. Y mucho menos gastar dinero en ella. Ni siquiera los amantes de la pluma de Poe podrán disfrutar de su escritor favorito, pues su impronta y estilo se encuentran aquí diluidos en una limitada cinta de terror que aburre de tantos convencionalismos que desarrolla y por la falta de situaciones emotivas en el metraje.

En fin, una floja película de horror donde lo sobrenatural no cautiva nunca, donde la atmósfera apenas que atrapa en algunos pasajes esporádicos y en donde el argumento se ahoga en sus propias limitaciones, dando lugar a alternativas improvisadas y muy poco atractivas para el público exigente.

¿Tiene algo a favor? La belleza de la protagonista principal californiana Kaitlin Doubleday y algunos momentos donde se consigue generar cierta atmósfera gótica, la cual al menos resulta llamativa desde lo visual. (Betomovies: Betomoviesyelcine.blogspot.com)

 

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El Cartero Siempre Llama Dos Veces

Título Original - The Postman Always Rings Twice

Año - 1946

Director - Tay Garnett

Elenco - Lana Turner, John Garfield, Cecil Kellaway, Hume Cronyn, Leon Ames, Audrey Totter

Si hay que matar, por nadie mejor que por Lana Turner, por la Lana Turner de "El cartero siempre llama dos veces". Obra maestra indiscutible del género, el cine negro alcanza una de sus cumbres con este absorbente ejercicio de suspense que deslumbra por su perfección. Poco más se puede decir, excepto que jamás una cámara de cine amó tanto el rostro y las curvas de una mujer, belleza fatal hecha celuloide. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)

 

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Asesinato En El Orient Express

Título Original - Murder On The Orient Express

Año - 1974

Director - Sidney Lumet

Elenco - Lauren Bacall, Ingrid Bergman, Sean Connery, Albert Finney, Anthony Perkins, Vanessa Redgrave

Es una buena adaptación de la obra de Agatha Christie, pero a mi juicio no es de las mejores. Lo que sucede es que se adorna tanto de actores de primerísima categoría y de un escenario tan lujoso como el Orient Express que el resultado sube muchos enteros.

Como suele suceder en las novelas de la "reina del suspenso" la película también sigue el mismo esquema: presentación cuidadosa de cada uno de los personajes de la trama, asesinato de uno de ellos, sucesivas teorías e interrogatorios para probar que todos podrían ser el culpable y finalmente, la clásica reunión final en la que Poirot desentraña el misterio.

Me quedo sin duda ninguna con los primeros 3 ó 4 minutos de la película. Es ahí donde se cuenta la trama "madre" desde la cual se irán comprendiendo los acontecimientos posteriores. Esa sucesión de imágenes borrosas, neblina y portadas de diarios es inmejorable y la sensación que deja en el espectador es la mejor antesala de la película.

En la parte negativa decir que me desagrada profundamente la actuación de Albert Finney como Poirot. Está excesivo, dramático y exagerado y no representa en absoluto la imagen que tenemos los admiradores de este personaje, perfectamente representado en otras películas por el gran Peter Ustinov. (Francie: Filmaffinity)

 

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Frenesí

Título Original - Frenzy

Año - 1972

Director - Alfred Hitchcock

Elenco - Jon Finch, Barry Foster, Alec McCowen, Anna Massey, Barbara Leigh-Hunt, Billie Whitelaw

Poco le quedaba al "gordo" para dejarnos. Unos añitos nada más. Puede que su gesto estuviera lleno de arrugas, pero a la hora de plantarnos “Frenesí” no se arrugó en lo más mínimo. Además, Hitch se atreve con esta película, como alguien a quien le queda por demostrar cierta calidad, a filmar unas pequeñas escenas poco comunes en su filmografía. “Frenesí” no es una película tan típica a pesar de su obsesión por las curvas femeninas y por la falsa culpabilidad de sus protagonistas.

Recurre el maestro inglés a ciertas escenas cargadas con un humor socarrón que si bien parecen destinadas a aliviar cierta tensión te están contando más de lo que parece como ese pequeño e importante papel que realiza la mujer del inspector. Puede que haya a quien no le convenza tanto “Frenesí” cuando Hitchcock recurre a los diálogos más que a la imagen en sí, como siempre acostumbró a hacer, pero esas conversaciones en la barra de un bar sobre la naturaleza psíquica del asesino o los escondites que Jon Finch busca para refugiarse de la policía (tanto en el hotel como la casa de su antiguo camarada de la RAF) son un ejemplo de cómo Hitchcock retrata la psiquis humana.

Como ya hizo con anterioridad, con las escenas de violencia no se achica y consigue unos grandes planos para el recuerdo llenos de verosimilitud (como la lengua de Barbara Leigh-Hunt o Anna Massey en el camión). (Chago77: Filmaffinity)

 

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Oliver!

Título Original - Oliver!

Año - 1968

Director - Carol Reed

Elenco - Mark Lester, Ron Moody, Shani Wallis, Oliver Reed, Jack Wild, Harry Secombe

Ganadora del Oscar 1968 a la Mejor Película

Claro ejemplo de como una buena obra literaria, de un contenido altamente dramático y realista, puede convertirse en un músical de jerarquía, donde el drama parece divertido. Una muy buena película, aunque quizás sea un poco exagerado que haya ganado el Oscar a la mejor película en un año donde hubo films tales como "2001 odisea del espacio" o "El planeta de los simios". Pero Oliver! es un sin lugar a dudas un películón, que no decae en ningún momento, sino todo lo contrario. El número "Who will buy?" marca el punto más alto del film. La actuación de Ron Moody como Fajin, impagable. Y destacable lo del inolvidable Oliver Reed como un villano cruel y despiadado. (Alexis1976: Filmaffinity)

 

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Perdidos En La Noche

Título Original - Midnight Cowboy

Año - 1969

Director - John Schlesinger

Elenco - Dustin Hoffman, Jon Voight, Brenda Vaccaro, Sylvia Miles, John McGiver, Ruth White

Ganadora del Oscar 1969 a la Mejor Película

Schlesinger desmitifica el sueño americano con la dura pero emocionante relación que se establece entre Voight -un inocente tejano dispuesto a seducir a las neoyorquinas- y Hoffman -un lisiado tuberculoso del Bronx nacido perdedor-. Dos tipos marginales en busca de fortuna -que sólo encuentran refugio compartiendo sus sueños- y un implacable retrato de la jungla neoyorquina componen este intenso drama, título emblemático de los años sesenta. Magnífico dúo protagonista y la canción de Harry Nilsson (Everybody's Talking)  acaban por redondear esta oscarizada cinta que cosechó un gran éxito de crítica y público. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)

 

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El Acorazado Potemkin

Título Original - Bronenosets Potyomkin

Año - 1925

Director - Sergei M. Eisenstein

Elenco - Alexandre Antonov, Vladimir Grigorievitch Barsky, Grigori Alexandrov, Mikhail Gomarov

A nadie le gusta comer carne podrida. A nadie le gusta que lo maten de hambre, que lo traten peor que a un perro apaleado, y ver que hasta las ratas viven mejor. Eso les ocurrió a los marineros del Potemkin. Se hartaron de ser pisoteados por unos oficiales demasiado duros, por un régimen en el que una miseria endémica llevaba cebándose desde tiempos inmemoriales en los ciudadanos de a pie, en los campesinos de la vasta e interminable Rusia, en todos los humildes trabajadores.

Aquellos marineros fueron el punto de partida de una revolución que derrocaría la peste zarista para instaurar la peste comunista. Fuera como fuese, Rusia estaba condenada al hambre y a la pobreza compartida, pero las revoluciones como las que se originaron en 1905 ofrecían algo de ilusión de cambio y de renovación. Aunque no fuese más que para salir de la boca del lobo y meterse en la del diablo.

Eisenstein eligió uno de los episodios clave de la convulsa historia de Rusia, el que fue el detonante de la caída del imperialismo y el alzamiento del comunismo, para filmar una de las películas más atrevidas de su tiempo. Atrevida en muchos rasgos. Se han vertido ríos de tinta acerca de la insólita y excelente labor de edición y montaje, que influiría posteriormente en el cine mundial. Los actores eran amateurs; nada de figuras ni estrellas de la pantalla. Multitudes heterogéneas de gente que abarrotan la escena en múltiples planos que derrochan dinamismo, con el espectador casi tocando la inquietud de la masa que se mueve en pos de un objetivo común e incendiario, que corre como la llama en una mecha.

Perspectivas visuales en constante cambio, expresionismo que se sirve de la presencia viva del barco, de las olas del mar, del reflejo del sol y de la luna en las aguas, de la niebla, de los misterios de la luz, del movimiento incesante, elipsis magistrales, efectos de imagen osados, sorprendentes para su tiempo. Regueros de personas como hormigas.

Una de las secuencias más recordadas y laureadas de la historia, la de las escaleras de Odessa, con esas bayonetas avanzando inexorablemente y sembrando el pánico. Gritos mudos que, por algún extraño efecto, se oyen estruendosamente en el alma, fervor de muchedumbres que se huele, disparos y cañonazos que retumban en su silencio. ¿Hace falta el sonido? Asombrosamente, no se echa mucho de menos. El realizador letón compensó brillantemente la carencia de sonido con una inundación visual insuperable. Historia, drama social, espectáculo y genuino cine unidos en una combinación que rompió moldes. (Vivoleyendo: Filmaffinity)

 

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Cabaret

Título Original - Cabaret

Año - 1972

Director - Bob Fosse

Elenco - Liza Minnelli, Michael York, Helmut Griem, Marisa Berenson, Fritz Wepper, Joel Grey

Uno de los mejores musicales de la historia, que extrae su fuerza de una dirección vibrante, unos diálogos con chispa, un mensaje previsible pero bien enmarcado en la historia, y unos estupendos intérpretes. Además, claro, de unos números musicales sencillamente soberbios, a los acordes de una banda sonora inolvidable. El magnífico Joel Grey les invita a pasar con el mítico “Willkommen, Bienvenue, Welcome...". (Daniel Andreas: FILMAFFINITY)

 

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La Pantera Rosa

Título Original - The Pink Panther

Año - 1964

Director - Blake Edwards

Elenco - Peter Sellers, David Niven, Capucine, Robert Wagner, Claudia Cardinale

Es muy complicado para cierto tipo de películas como son las comedias mantenerse frescas e hilarantes con el paso del tiempo. Sin embargo, joyas cómicas como la que ocupa esta crítica muestran que hay cintas de comedia que aún aúnan en ella el sentido de la comedia pese al paso de los años.

Es evidente que este film provocaría mucho más impacto en su época o si no hubiera visto otras más que notables comedias, pese a ello, la película de "La pantera rosa" se ha conservado francamente bien. Posee unos gags y situaciones que mezclan ingeniosos diáologos con momentos disparatados sin llegar nunca a la excesiva exageración, lo cual hace que estémos ante una película de lo más divertida y amena de ver, mucho más recomendable que las comedias que se comercializan hoy en día.

El buen hacer del largometraje se concentra en el impecable trabajo de realización de Blake Edwards junto con unos actores muy bien escogidos que se adaptan a sus personajes como anillo a dedo, ya sea la caballerosidad de David Niven junto a Robert Wagner, la belleza de Capucine y Claudia Cardinale, y como no, la divertidísima y simpática intervención de Peter Sellers, que lleva en su haber los momentos más desternillantes del film.

La película cuenta con un par de situaciones cómicas muy bien coreografiadas donde la carcajada del espectador estará muy presente gracias a su ingeniosidad y su alocado montaje, pero sin llegar nunca a alargar demasiado nada que pueda llevar a la tediosidad o a la exageración. Por si fuera poco, la película cuenta con la gran banda sonora sobradamente conocida compuesta por el gran Henry Mancini. "La pantera rosa" sigue siendo un film muy recomendable de ver como comedia o por todo aquel admirador de alguno de los interpretes o de su director. No lo lamentarán. (Directors Cut: Filmaffinity)

 

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Sucedió Una Noche

Título Original - It Happened One Night

Año - 1934

Director - Frank Capra

Elenco - Clark Gable, Claudette Colbert, Walter Connolly, Roscoe Karns, Jameson Thomas

Ganadora del Oscar 1934 a la Mejor Película

"Uno de los títulos míticos de la comedia de los años 30, pese a que, en comparación con las obras maestras de Howards Hawks, adolece de cierta falta de ritmo. No obstante, una magnífica película con unos adorables Clark Gable y Claudette Colbert, dos personajes condenados a pasar una noche juntos. Las chispas que despiden sus encuentros se convierten en inevitables sonrisas en la cara del espectador. Disfrútela". (Daniel Andreas: FILMAFFINITY)

"Primera película en obtener el Oscar en las cinco categorías principales (Película, director, actor (Clark Gable), actriz (Colbert)), guión adaptado, "Sucedió una noche", basada en un argumento extraído de la revista Cosmopolitan, fue un gran éxito de la época. Además encumbro a la -hasta entonces secundaria- productora Columbia Pictures al club de las llamadas Majors -grandes productoras-, junto a la Paramount, Warner Bros., MGM, Universal y la Fox". (FILMAFFINITY)

 

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Una Extraña Pareja

Título Original - The Odd Couple

Año - 1968

Director - Gene Sacks

Elenco - Jack Lemmon, Walter Matthau, John Fiedler, Herbert Edelman, Monica Evans

Una increíble química entre estos dos enormes actores convierte esta película en una especie de voyeurismo permitido durante el cual asistimos a la evolución de la relación de dos divorciados obligados a convivir.

Gags con mucho acierto, diálogos agilísimos, un ritmo impecable. En definitiva, una comedia con mayúsculas, como las que ya no se ruedan hoy en día. Imprescindible. (Nickie2011: Filmaffinity)

 

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