Bean: La Película Del Desastre

Título Original - Bean: The Ultimate Disaster Movie
Año - 1997
Director - Mel Smith
Elenco - Rowan Atkinson, Peter MacNicol, Pamela Reed, Harris Yulin, Burt Reynolds

La exitosa serie humorística de TV de los 90's dio lugar a esta película con el mismo actorprotagonista, en donde el absurdo más vigoroso se hace presente y marca el inconfundible estilo de la comedia disparatada. Esta cinta no tiene una gran elaboración desde la trama, sino que mas bien es una retahíla de gags bastante traídos de los pelos y de ciclotímica efectividad. El tenor del filme es de una estupidez alarmante, es más en muy pocas secuencias se puede vislumbrar el característico humor cínico y elegante de los ingleses.

La base de la cinta es la carismática personalidad de un Rowan Atkinson quien compone por naturaleza un personaje ingenuo y perverso a la vez, y desde su despliegue histriónico y gestual es de donde se sustenta gran parte de la irregular contundencia humorística que propone este filme. A su vez, la poca historia que hay detrás de las inagotables secuencias de gags, se sustenta en la incapacidad de Bean en resolver los problemas o la manera tan excéntrica de afrontarlos. Por ello estamos frente a un producto típico donde los enredos y absurdos pululan. Dependerá de cada público en particular y de su capacidad para tolerar o no este cantidad de despropósitos. (Betomovies: Betomoviesyelcine.blogspot.com)

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M Butterfly

Título Original - M Butterfly
Año - 1993
Director - David Cronenberg
Elenco - Jeremy Irons, John Lone, Barbara Sukowa, Ian Richardson, Annabel Leventon

David Cronenberg adaptó esta premiada obra teatral de Broadway, ganadora de tres premios Tony, desligándose, solo en apariencia, de sus trabajos anteriores, pues sus principales inquietudes escénicas fueron intensamente desarrolladas en esta exultante M. Buttterfly que circunscribe la debilidad de Cronenberg por los miedos internos, la transformación corporal del hombre y los oscuros fondos de la mente humana, una de sus creaciones más redondas, bellas y misteriosas, una historia que oprime, asfixia, subyuga el alma haciendo cómplices de su ambigüedad romántica a un espectador aferrado, intrigado por los pliegues de un imprescindible Jeremy Irons en el pellejo de un diplomático francés misteriosamente enamorado, hechizado, por una enigmática diva de la opera de Pekín, Song Liling, una relación tortuosa que llevará a Rene Gallimard a las cloacas del dolor ardiente, el impulso que roza la locura hasta implantarse en la ceguera de un amor indescifrable.

Cronenberg dilata la psicología de sus criaturas sin manipulaciones ni opulencias, trepando por los sentimientos de una manera turbadora, con la atmosfera adecuada y los componentes concretos, encarcelando sus peones con mano elegante, mitificando el entorno de una China nocturna y clandestina, inundada de secretos regados por el comunismo, la histeria internacional de una guerra inmediata, la revolución cultural o el espionaje integrista, el mismo que da encuadre al espacio que Cronenberg aplica a su metamorfosis parasitada, infectando las entrañas de una espiral obstruida por el llanto de una enfermiza necesidad de dependencia.

M. Butterfly es una tragedia con síntomas de embrión operístico, con un equipo exquisito de colaboradores, a los que su director considera familia cinematográfica, la fotografía del genial Peter Suschitzky (El imperio contraataca), contrastada en los lujosos escenarios monumentales de China o Paris con los interiores claustrofóbicos rodados en estudios de Toronto, con la sensual música de Howard Shore en una composición frágil y sugerente perfectamente acompañada de fragmentos de la inmortal ópera de Puccini, y la entregada, mística, interpretación de sus actores, una cinta estremecedora construida en los terrenos virales de un artista desbordado de aptitudes, un Cronenberg apetitosamente purificado. (Deivi: Filmaffinity)

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La Edad De La Inocencia

Título Original - The Age Of Innocence
Año - 1993
Director - Martin Scorsese
Elenco - Michelle Pfeiffer, Daniel Day-Lewis, Winona Ryder, Richard E. Grant, Alec McCowen

Sin duda, uno de los mejores melodramas que haya parido el cine de los 90, adaptación personal y fiel a un tiempo de Scorsese de la novela homónima de Edith Warton. Utilizando la "voz en off" para aligerar la posible (no real) pesadumbre de una trama de melodrama decimonónico que se regodea en detalles y aquí también tradiciones anacrónicas, Scorsese demuestra su gran estilo y talento y su magnífica capacidad de adaptación a cualquier género, logrando dentro de su película más improbable, un resultado excelente y dando en las narices a presuntos "maestros" del género como sería el caso del británico James Ivory."La edad de la inocencia" es un sutil, equilibrado, intenso y profundo melodrama, la crónica de un amor imposible y por ello hermoso, de dos seres (Day Lewis y Pfeiffer) atenazados, oscurecidos, invalidados por su entorno y época. Y todo narrado con lujo, detalle y precisión, a la par que un notable y contenido sentido de la emoción. (Kafka: Filmaffinity)

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Asesinato En La Casa Blanca

Título Original - Murder At 1600
Año - 1997
Director - Dwight H. Little
Elenco - Wesley Snipes, Diane Lane, Alan Alda, Daniel Benzali, Ronny Coxy

Una atractiva joven del servicio de protocolo es asesinada en la mismísima Casa Blanca. La investigación es encomendada a un policía de homicidios de Washington, ayudado por una agente del servicio secreto. Las altas esferas políticas de USA siempre han dado mucho jugo en los thrillers de Hollywood. Así, con muchos tópicos del género y algo de suspense, el film ofrece una simplona intriga con pretensiones de "alto standing". Resulta bastante entretenida, pero no se preocupen: se olvida enseguida. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)

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El Puente De Remagen

Título Original - The Bridge At Remagen

Año - 1969

Director - John Guillermin

Elenco - George Segal, Robert Vaughn, Ben Gazzara, Bradford Dillman, EG Marshall

El puente de Remagen tiene más de honestidad bélica que la mayor parte del infame surtido que invadió los estudios hollywoodenses de la postguerra. Aquí los alemanes tienen su papel, con oficiales y soldados tan loables como los yankies. Lo que ocurre es que después de ver el desembarco de Spielberg en Normandía con su Rescatando Al Soldado Ryan, y revisar estos films, todo nos sabe a poco. A pesar de ello, El puente de Remagen ofrece escenas bélicas de altura aunque peca a mi parecer de algo blanda en cuanto a la caracterización individual de los soldados aliados.

Ben Gazzara es el rebelde, el echado p'alante, pero se queda a medias. George Segal otro tanto. Los alemanes ídem. Los chicos del pelotón no destacan por nada especial. Tienen la ocasión de violar en masa a una mujer pero no lo hacen. De cargarse a algún soldado alemán rendido y... tampoco. De humillar a algún civil y... menos. ¿Las razones? ¿Qué eran los buenos? No lo creo. Corría el año 1969 y no hubiesen permitido su estreno. Es decir, las escenas bélicas están más que correctas. Nos hacen sentir el combate por la defensa del puto puente, pero los tipos son muy light cuando deberían llevar un enojo encima de no creer. Deberíamos esperar a Apocalipse Now para degustar un nuevo tipo de cine bélico. Aún y todo se puede ver. Interesante. (Txarly: Filmaffinity)

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Garras

Título Original - The Ghost And The Darkness
Año - 1996
Director - Stephen Hopkins
Elenco - Val Kilmer, Michael Douglas, Tom Wilkinson, Om Puri, Bernard Hill, John Kani

Merece la pena ver este film, ambientado en el África colonial del siglo XIX, que nos cuenta los terribles hechos acaecidos en el hoy día, Parque Natural de Tsavo, durante la construcción del ferrocarril que cruzaría Kenia. La acción se desarrolla en 1898, el coronel John H. Patterson, del Ejercito británico, es trasladado de Londres a esta parte del mundo a dirigir la construcción de un puente clave en la consecución de la obra del ferrocarril. Durante 9 meses, dos leones, por razones desconocidas, (ya que los leones no son especialmente devora hombres), acabaron con cerca de 150 obreros que trabajaban en las vías. Llegaron a parar las obras y obligaron a poner en marcha un dispositivo de busca y captura, que duro más de lo deseado y que consiguió demorar el trabajo, causando graves trastornos entre la población local. Hasta aquí la historia, a partir de aquí, aunque el film, no se ajuste mucho a la realidad como sucede en este tipo de casos, sí mezcla adecuadamente realidad y ficción.

La película narra los hechos en un tono aventurero y no sin ciertas dosis de terror cuando relata los ataques de los leones. Muy bien tanto Val Kilmer, como Michael Douglas, y excepcional diría yo, Tom Wilkinson, en su odioso papel de encargado de construir dicha vía férrea. Brillantes diálogos en ocasiones y una esmerada fotografía hacen que esta película nos haga pasar un buen rato. La banda sonora de Jerry Goldsmith, genial, (otra más), redondea las bellas imágenes del África negra.

Probablemente la mejor de película de su director, Stephen Hopkins, que tampoco es que eso fuese muy difícil. Esta historia ya había sido filmada en 1952, con el título de “Bwana, el diablo de la selva” (Arch Oboler) con desiguales resultados, pero rodada en 3-D, lo que la convirtió en una de las mejores del género de aventuras...en 3-D. (Juggernaut: Filmaffinity)

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Una Eva Y Dos Adanes

Título Original - Some Like It Hot
Año - 1959
Director - Billy Wilder
Elenco - Marilyn Monroe, Tony Curtis, Jack Lemmon, George Raft, Pat O'Brien

Lemmon y Curtis huyen de la mafia disfrazados de mujer e incorporándose a una banda de música. Allí conocen a la sexy e inocente Sugar Kane. Así empieza esta divertidísima comedia, una de las más famosas de la historia del cine, con una curvilínea Marilyn en estado de gracia. Una obra maestra imperecedera cuyo delirante diálogo final pone broche a un film en verdad perfecto. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)

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Lawrence De Arabia

Título Original - Lawrence Of Arabia
Año - 1962
Director - David Lean
Elenco - Peter O'Toole, Anthony Quinn, Alec Guinness, Jack Hawkins, Omar Sharif

Ganadora del Oscar 1962 a la Mejor Película

Es prácticamente imposible describir las sensaciones que causa ver "Lawrence de Arabia". Es uno de esos raros filmes que si te atrapa, te hipnotiza, y te lleva por donde quiere sin que puedas resistirte a ello. No es fácil enfrentarse por primera vez a esta magna obra de David Lean: sólo contemplar la duración, cercana a las cuatro horas, acongoja al más predispuesto. Pero una vez dentro de ella, no se puede salir. Desde la secuencia inicial, con la muerte del protagonista (podríamos decir que la película entera es un gigantesco flashback), hasta el final, todo destila épica, grandiosidad, y a la vez, intimismo.

No sólo es un lienzo de unos hechos históricos, sino que es el viaje del alma de T. E. Lawrence. Las actuaciones están a un nivel pocas veces visto, porque no es fácil que una película con un reparto tan coral y heterogéneo acabe resultando en un todo sin fisuras, y cada personaje es capaz de dominar el plano, sea cual sea su cuota de aparición en pantalla. Como ejemplo, baste contemplar el trabajo de José Ferrer. Y es que, lo único que diferencia en "Lawrence de Arabia" a los protagonistas de los secundarios es el número de minutos que aparecen. Sería temerario considerar "actor secundario" a un Alec Guiness que transmite un señorío y una majestuosidad sólo con salir en plano; a un Anthony Quinn que destila garra y fuerza, además de ser responsable de la mayoría de momentos divertidos de la película a base de encarnizados e ingeniosos enfrentamientos dialécticos; a un Omar Sharif descomunal, con una mirada tan intensa que podría derretir la arena del desierto... o a un Peter O'Toole que se funde con su personaje de forma que es imposible saber hasta dónde llega la interpretación y comienza la transformación.

A pesar de esto, el auténtico protagonista de la función es el desierto: dudo que se pueda transmitir su inmensidad, su grandiosidad y su dureza de forma más nítida que en "Lawrence de Arabia". Su presentación no puede ser más impactante, con el corte brusco que nos transporta desde la cerilla de Lawrence al abrasador sol y las infinitas dunas de Arabia. El desierto está omnipresente en cada plano: de día, de noche, en los momentos de gloria y en los de decaimiento, en la exaltación de Lawrence y en sus humillaciones. Además, le permite a Lean deleitarnos con secuencias tan gloriosas como la aparición de Omar Sharif confundiéndose en la lejanía con un espejismo, o la carga sobre Aqaba.

Si hubiese que encontrar algún fallo, sería lo difuso que resulta el personaje de T. E. Lawrence: poco sabemos de sus motivaciones, y de por qué se comporta de la manera en que lo hace. Pero "Lawrence de Arabia" es pretendidamente imprecisa sobre un personaje que desata pasiones tan encontradas. Lean no pretendía hacer un biopic sobre Lawrence, ni un mero retrato histórico, sino hacernos sentir que estamos de viaje por el desierto. Un viaje sin retorno al corazón del cine puro. (Loberto: Filmaffinity)

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El Juez

Título Original - Judge Dredd
Año - 1995
Director - Danny Cannon
Elenco - Sylvester Stallone, Armand Assante, Diane Lane, Rob Schneider, Max von Sydow

Hay una gran frase en el refranero que dice: otros vendrán que bueno me harán, y viendo el panorama actual y las actuales estrellas de acción como Vin Diesel o The Rock, esa frase se hace totalmente cierta. Puede que Stallone no gesticule en exceso en sus películas (o gesticule en exceso una sola postura), pero sus personajes se adaptaban a esas características, como se confirma en "El Juez", adaptación de un comic que representa puro entretenimiento, sin pretensiones pseudo-filosóficas y perfecta para pasar el rato, viendo como el bueno se ocupa de arreglarlo todo, con un némesis encarnado por Armand Assante que le da una réplica perfecta. Para los que gusten del existencialismo sueco, esta película seguramente sea un subproducto, para los que entendemos que el cine va un paso más allá del teatro, es pura diversión, ni más, ni menos. (Robert Corleone: Filmaffinity)

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Atrápame Si Puedes

Título Original - Catch Me If You Can

Año - 2002

Director - Steven Spielberg

Elenco - Leonardo DiCaprio, Tom Hanks, Christopher Walken, Jennifer Garner, Martin Sheen

Basada en una historia real, “Atrápame si puedes”, es la biografía de unos de los estafadores más ingeniosos y jóvenes que haya tenido Estados Unidos en la década de los sesenta. Se trata de Frank W. Abagnale Jr. (Leonardo DiCaprio) quien es incansablemente perseguido por el agente del F.B.I, Carl Hanratty (Tom Hanks). La película, es el clásico juego del gato a la caza de un astuto y escurridizo ratón.

El agente tras un carismático criminal, quien logra mantenerse siempre a un paso adelante del policía, evadiendo su captura; gracias a su ingenio y suerte. La habilidad y facilidad para engañar a la gente, falsificar cheques, identificaciones, entre otros documentos, nos hace preguntarnos ¿Cómo lo hace este tipo? Como se las ingenia para convertirse de la noche a la mañana, en un verdadero artista de la fuga y de la estafa, gracias a sus transformaciones, donde se hace pasar por piloto, médico y abogado, por mencionar algunas profesiones; suplantándolas a la perfección con sólo observar la televisión y brindando una sonrisa permanente.

Cabe resaltar que uno de los principales méritos de Steven Spielberg, es ser uno de los mejores narradores del cine, y ésta no es la excepción. Entrega una narración lineal, pero simple y eficaz; lo cual es su mayor logro, donde la empatía del personaje principal lo puede todo. Incluso la presentación de los créditos al principio, con esos simpáticos dibujos animados entre el captor y el cazado, te prepara para una historia simple, tipo “Tom and Jerry”, que hace que las casi dos horas y media de filme se vayan volando.

Por su parte, los protagonistas están muy bien retratados, lo que logra que sean dignos rivales. Incluso obtienen simpatía de parte de la audiencia, ya que no existe un ánimo de competencia entre ellos, ya que no se trata de la historia clásica entre buenos y malos. Logrando que sean interesantes y entretenidos, lo cual acentúa el suspenso de la trama, ya que no hay un ánimo de verlos como perdedores.

Leonardo DiCaprio, muchas veces criticado como una efímera estrella del cine juvenil, en esta ocasión nos ofrece una correcta interpretación y no es tan sólo una cara atractiva. Logra dar con el perfil de su papel, conjugando la irresponsable temeridad de su personaje, con una contenida inseguridad y timidez que lo transforman en el perfecto antagonista, por lo demás se roba la película y esta a la altura de un Tom Hanks, que desde hace rato marca presencia en los filmes. Sin brillar, cumple una aceptable colaboración para el veterano Spielberg. (Redrum: Filmaffinity)

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Asalto Al Tren Del Dinero

Título Original - Money Train
Año - 1995
Director - Joseph Ruben
Elenco - Woody Harrelson, Wesley Snipes, Jennifer Lopez, Robert Blake, Chris Cooper

No alcanza con el carisma de la pareja protagonista y su paradójica fraternidad, no es suficiente con su irregular sustancia cómica, tampoco satisface en su acción ya que no logra emocionar en su frenesí, tampoco hay secuencias para el recuerdo o aspectos memorables. Es apenas un filme rutinario donde los personajes y las situaciones relatadas no terminan de cerrar como para dar por resultado un producto sólido. Desde la propuesta dramática puede resultar un tanto interesante en esa relación de traumas y competencias entre dos hermanos postizos donde uno debe vivir a la sombra del otro.

Wesley Snipes aporta lo suyo: un policía duro que soluciona todo a patadas y puñetazos, Woody Harrelson tampoco se luce interpretando a un fracasado que se cansa de vivir de las migajas de su hermanastro, Jennifer Lopez es apenas un pretexto para rellenar ya que su personaje es sumamente intrascendente, Chris Cooper totalmente desaprovechado como un piromaníaco que cae absurdo dentro del nudo argumental, y Robert Blake como un villano insípido al que ni siquiera se le termina de entender qué perfil tiene su personaje.

Pero desde la intensidad de la propuesta en general todo queda bastante licuado dado que su vértigo se reduce al despliegue físico del negro Snipes. El humor no funciona del todo ya que falta chispa y orquestación en su concepción narrativa; la historia no presenta un conflicto que llame mucho la atención y hasta inclusive no queda claro bien hacia dónde se dirige la intencionalidad del director con una cinta que no profundiza en su dramatismo ni tampoco trasciende en su pirotecnia. Lo más rescatable: que no aburre a pesar de ser bastante insustancial, y además el despliegue visual de sus últimos minutos donde se pone toda la carne en el asador para intentar darle algo de magnetismo pirotécnico al relato. (Betomovies: Betomoviesyelcine.blogspot.com)

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Julie & Julia

Título Original - Julie & Julia
Año - 2009
Director - Nora Ephron
Elenco - Amy Adams, Meryl Streep, Stanley Tucci, Chris Messina, Jane Lynch

De entrada lo primero que se me ocurre decir es que Julie y Julia es una película "amable" y lo digo sin ningún animo peyorativo; todo en ella derrocha buenos sentimientos, los personajes son alegres, las parejas se aman y se respetan, el trabajo las dignifica y el amor por la cocina francesa actúa como hilo conductor de esta comedia romántica agradable y llena de buenas intenciones.

La primera parte de la película se ve con agrado, entre fogón y fogón, gracias a las buenas interpretaciones de Meryl Streep y Amy Adams (de nuevo frente a frente tras La duda) contándonos dos historias paralelas en dos épocas diferentes basadas en el arte culinario de Julia Child, la cocinera que influyó decisivamente en la forma de comer de las familias americanas. Sin embargo, en la segunda parte el film se vuelve repetitivo, previsible y demasiado largo, hasta el punto de llegar a empachar y nunca mejor dicho.

De haber durado media hora menos Julie y Julia sería una película notable, pero la obsesión del cine hollywoodense actual por alargar las historias en exceso perjudica a esta comedia romántico-culinaria, pese a todo agradable de ver y llena de buenos propósitos. ¿Conseguirá Meryl Sreep una nueva nominación al Oscar? Es muy probable y seguramente se lo merece, aunque a mi personalmente este papel no me parece de lo mejor de su carrera. (Marius: Filmaffinity)

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Diabolique

Título Original - Diabolique

Año - 1996

Director - Jeremiah Chechik

Elenco - Sharon Stone, Isabelle Adjani, Chazz Palminteri, Kathy Bates, Spalding Gray

Remake de "Les diaboliques" (1954), de Henri George Clouzot, con Simone Signoret y Vera Clouzot. La esposa y la amante de un detestable director de un colegio deciden acabar con su mutuo sufrimiento y asesinar al hombre que comparten.

"No puedo decir, estrictamente, que sea una mala película, pese a que adoro tanto la adaptación original de Clouzot que me gustaría poder hacerlo (con los remakes no se debe decir nunca que las comparaciones son odiosas, sino obligadas). El montaje y la puesta en escena son muy elegantes, y ambos están repletos de guiños a clásicos del suspense como 'Psicosis' (el zoom circular sobre el desagüe de la piscina) o 'La ventana indiscreta' (el colegial espiando a la mujer del director desde su ventana).

La narración es ágil e interesante y los actores solventan con desigual corrección sus papeles, no dejando de ser, en ningún momento, un vehículo para el lucimiento de una Stone rescatada por Scorsese de los pozos del olvido meses antes gracias a "Casino" (por cierto, injustísimamente nominada al Razzie por este trabajo), la frustración de una Adjani incapaz de dar más y el desperdicio de una Bates obligada a dar menos. La música, sin llegar a ser un ejemplo de originalidad, se ajusta a cada momento a la perfección. Todo lo anterior es aplicable hasta el desastroso desenlace, donde el gusto por lo macabro, convencional y fuera de lugar, irrumpe a rienda suelta y desbocado. Balance final: innecesario remake que desperdicia su mejor baza: la sensualidad". (Jastarloa: Filmaffinity)

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