Ojos Bien Cerrados

Título Original - Eyes Wide Shut
Año - 1999
Director - Stanley Kubrick
Elenco - Tom Cruise, Nicole Kidman, Sydney Pollack, Marie Richardson, Leelee Sobieski

Una película que nos habla de la hipocresía, de la doble moral, de las falsas apariencias, de las caretas con que se ocultan los más morbosos y perversos sentimientos de una sociedad que aparenta una cosa pero que en realidad es otra, de celos y egoísmos, de desconfianza y búsqueda de revancha, de opresivo agobio de deseos impuros reprimidos, de sexo como fin en sí mismo en forma primitiva e instintiva.

De ritmo lento, por allí para algunos puede resultar una cinta aburrida y tediosa (no es mi caso) y para otros una película intensa, llena de doble sentidos, con una atmósfera oscura y sórdida que viene a contrastar con el mundo ideal del matrimonio perfecto. En ello me quiero detener, me pareció muy bien trabajada la idea de mostrar cómo lo que en realidad parece marchar sobre ruedas y estar cimentado en bases sólidas, es una fachada y puede desmoronarse de un momento para otro.

De esto destaco la perfecta puesta en escena de Kubrick, quien demuestra su talento al mostrar una película en donde contrastan el mundo aparente, suntuoso en este caso, donde los seres humanos se muestran con sus vidas correctas y socialmente íntegras; con la carencia de dignidad que se refleja en lo más profundo del ser, las miserias escondidas, los deseos morbosos contenidos.

Una virtud del filme es su reparto, un Tom Cruise en un papel convincente. Interpreta a un personaje lleno de inseguridad, de celos, de perturbación por la confesión de su esposa que se ha sincerado con él sobre sus más oscuros deseos. Nicole Kidman aporta el toque de sensualidad en el filme, si bien su personaje tiene menos desarrollo en la historia, en los momentos en que interviene logra contagiar esa peligrosa combinación de tierna madre de familia y seductora mujer deseosa de aventuras.

La música del filme de Jocelyn Pook es una buena acompañante de las imágenes, adecuada en cada momento del filme, tanto en los momentos de suspenso, como en los dramáticos. En definitiva, una película que viene a re-significar la idea del sinceramiento, del buscar la confianza necesaria en el otro para sacar adelante la tarea tan valiosa como es la fidelidad en el matrimonio. (Betomovies: Betomoviesyelcine.blogspot.com)

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Enemigo Al Acecho

Título Original - Enemy At The Gates
Año - 2000
Director - Jean-Jacques Annaud
Elenco - Jude Law, Joseph Fiennes, Rachel Weisz, Ed Harris, Bob Hoskins, Ron Perlman

Casi un western con miras telescópicas, este estupendo film bélico narra un apasionante duelo entre francotiradores durante el asedio de las tropas alemanas a Stalingrado, en 1942. Ambos tiradores de élite mantendrán una particular guerra personal mientras la ciudad rusa se destroza y se desangra a orillas del Volga. Basada en hechos reales, la producción europea más cara hasta la fecha deleita a los aficionados al género con asombrosas escenas de acción; atención al espectacular ataque aéreo al comienzo de la película: deudor del "Rescatando al Soldado Ryan" y más real que el de "Pearl Harbor". El guión tiene altibajos, pero la tensión está conseguida. Muy buena. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)

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Las Puertitas Del Sr López

Título Original - Las Puertitas Del Sr Lopez
Año - 1988
Director - Alberto Fischerman
Elenco - Lorenzo Quinteros, Mirta Busnelli, Katja Alemán, Darío Grandinetti, Hugo Arana

Película argentina, basada en la homónima y exitosa historieta donde un tímido contable, empleado de una gran empresa y casado con una mujer autoritaria, se evade de la realidad traspasando puertas de baños, a través de las cuales ingresa a un imaginario mundo privado y sensual.

Film fallido, que no logró trasladar al celuloide toda la magia y la ácida ironía del comic en el que está basado. Producto que en su momento no se sostuvo en las salas cinematográficas y fue a dar, antes de lo esperado, a los videoclubes. Solo para coleccionistas.

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Zorba El Griego

Título Original - Alexis Zorbas (Zorba the Greek)
Año - 1964
Director - Mihalis Kakogiannis (Michael Cacoyannis)
Elenco - Anthony Quinn, Alan Bates, Irene Papas, Lila Kedrova, George Foundas

Posiblemente, Zorba el griego sea la gran desconocida para los amantes del cine. Tan sólo cuando se nombra el Sirtaki, la gente se acuerda de Anthony Quinn bailando en una de tantas y tantas playas del paisaje cretense, y ni siquiera el sirtaki es un baile tradicional griego, ya que se creó expresamente para la adaptación cinematográfica de la obra maestra de Nikos Kazantzakis.

En la Creta más profunda de la post guerra, y bajo la dirección del chipriota Michael Cacoyannis, se funden las personalidades de una gran dama francesa, soñadora de amores platónicos del pasado, un escritor inglés profundamente influenciado por la rigidez de la literatura y sociedad británicas, una viuda que añora con disfrutar un profundo amor, rompiendo con las limitaciones y férreas imposiciones de la pétrea sociedad helénica del momento, y un vividor cretense que disfruta el momento con insaciable voracidad, sabedor que sólo el destino marca el mañana de cada ser humano. Como sucede en casos similares, sólo la fuerte personalidad del amante de la vida es capaz de romper los grilletes de la sociedad que nos rodea y consigue aglutinar los sentimientos de los que le rodean para engrandecer su propia alma.

Anthony Quinn, en el mejor papel de su dilatada carrera cinematográfica, no sólo se ganó el reconocimiento de la crítica, sino que el gobierno griego le concedió el privilegio de otorgarle la ciudadanía griega, alzándole al olimpo de todos los amantes de Grecia, y uniendo su alma a la de Lord Byron para toda la eternidad. La banda sonora, compuesta por Mikis Theodorakis, va más allá del Sirtaki de Zorba. El compositor griego consigue que cada nota de su pentagrama se fusione con perfecta armonía a cada escena de la película, creando fragmentos que dejan al famoso Sirtaki como una mera anécdota de la misma.

Sin lugar a dudas, una obra maestra que no deben perderse los cinéfilos y todas aquellas almas que luchan, en el día a día, por revelarse contra las imposiciones de nuestra supérflua sociedad. (Lalo: Filmaffinity)

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La Vida De David Gale

Título Original - The Life Of David Gale
Año - 2003
Director - Alan Parker
Elenco - Kevin Spacey, Kate Winslet, Laura Linney, Gabriel Mann, Matt Craven

Sobresaliente película de Alan Parker que te atrapa desde el inicio y cuyas algo más de dos horas de duración se pasan volando. Realmente merece la pena pasar el rato contemplando "La vida de David Gale", ya que la película es apasionante y esconde bastantes sorpresas. El reparto es excepcional: Kevin Spacey con su mirada resignada, Kate Winslet magistral como siempre, Laura Linney demostrando su versatilidad o la atractiva Rona Mitra. La mezcla de drama carcelario y thriller no pierde fuelle en ningún momento, y los episodios que narra Kevin Spacey nos van desvelando poco a poco el prodigioso final. Además el film hace recapacitar sobre la pena de muerte, que por suerte no afecta a nuestro país, pero que sí se da en muchos estados americanos. Verla es una delicia, sobresale entre el grupo de dramas carcelarios. (Chucky Goo: Filmaffinity)

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El Boxeador

Título Original - The Boxer
Año - 2009
Director - Thomas Jahn
Elenco - Kelly Adams, Joshua Dallas, Stacy Keach

Ben Wilson (Joshua Dallas) quiere transformarse en un mejor hombre. Asi que cuando conoce a Joe Miller (Stacy Keach), un irritable viejo entrenador de boxeo, finalmente obtiene una oportunidad para lograrlo. Ben tiene esperanzas de ganar fama, fortuna y a la mujer que ama. Pero en el mundo de hoy, solo hay una manera de obtener lo que realmente queremos: ¡tienes que luchar para conseguirlo!

Bajo esta premisa, nos encontramos frente a una previsible película y nada más. Simple entetenimiento para una tarde gris de cine hogareño. Tolerable, a pesar de todo.

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Roma: Ciudad Abierta

Título Original - Roma: Cittá Aperta
Año - 1945
Director - Roberto Rossellini
Elenco - Anna Magnani, Aldo Fabrizi, Marcello Pagliero, Maria Michi, Harry Feist

Películas sobre la Segunda Guerra Mundial hay toneladas, pero hecha durante la misma no tantas. Por ello una de las principales virtudes de esta película es sin dudas su carácter contemporáneo a la salvajada que critica: la barbarie nazi ocupando Roma. Es impresionante cómo Rossellini expone con impactante realismo el contraste entre lo humanitario y lo vil, entre la fidelidad y la traición, entre el miedo y el coraje, entre la prostitución mundanal y el amor verdadero, entre el patriotismo inquebrantable y la cobarde tortura, entre el agobio desesperanzador y las ganas de luchar superando el momento, entre la búsqueda de la paz en Dios y la discordia propuesta por los hombres.

Si bien es un drama bélico, bien podría tomarse como un documental con mayúsculas porque nos muestra a manera de dramatización las aberraciones propias del régimen fascista. Y como dije, filmada prácticamente en forma clandestina en el mismo momento en que la situación hervía en complejidad, sin casi actores profesionales, rodada en escenarios auténticos, con mucho realismo en sus trazos y sin artificiosidad en los despliegues técnicos. (Betomovies: Betomoviesyelcine.blogspot.com)

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La Condesa Descalza

Título Original - The Barefoot Contessa

Año - 1954

Director - Joseph L. Mankiewicz

Elenco - Ava Gardner, Humphrey Bogart, Edmond O'Brien, Marius Goring, Rossano Brazzi

Estamos ante un clásico de Joseph L. Mankiewicz, que, si ya había retratado el sórdido mundo del teatro en “Eva al desnudo”, ahora lo hace del cine desde el personaje que interpreta maravillosamente la soberbia Ava Gardner. Podemos decir que su estructura inicial es la de una especie de versión actualizada y muy cínica de la cenicienta en busca de su príncipe; una bailarina española que llegaría a convertirse en estrella de la pantalla gracias a “su príncipe”, Humphrey Bogart.

Destacar la interpretación de ambos que están maravillosos. Quizá el fallo de esta película, otros lo considerarán un gran acierto, es la excesiva y omnipresente voz en off que recorre toda la película, y que en momentos llega a ser molesta además de innecesaria. El arte del cine esta en transmitir con imágenes y en usar lo menos posible la voz en off y las explicaciones, sino que son las imágenes las que deben hablar, ese es el arte del cine, y lo difícil de hacerlo, de contar historias con imágenes. Pero lo que sí es indudable es que estamos ante una gran película que habla de la soledad, de la vocación en la vida, de la amistad...

Entre ambos protagonistas no se establece una relación puramente comercial-profesional de interés, sino una auténtica amistad que llega hasta el final, una amistad en la que no llegamos a saber si ambos sentían algo más. Una película que reflexiona sobre el cine, sus intereses... sobre como la industria y el éxito cambia la vida. Pero la protagonista, una mujer decidida y con valores, no se olvida de sus orígenes humildes. Y una película que plasma en su crudeza la tragedia de los celos. En definitiva una gran película digna de ver. Y destacar que fue la primera vez que Mankiewicz utilizó el color. (Oscar: Filmaffinity)

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Con Air: Riesgo En El Aire

Título Original - Con Air
Año - 1997
Director - Simon West
Elenco - Nicolas Cage, John Cusack, John Malkovich, Steve Buscemi, Ving Rhames

Tan trepidante como previsible, tan ruidosa como inverosímil, una famosa pero decepcionante cinta de acción que no aporta nada nuevo al género sino desprestigio y, eso sí, muchos millones de dólares en recaudación. Entre su conocido y atípico reparto destaca más de un actor que nadie se explica qué hace en semejante disparate. Eso no es todo; el autor del guión es, nada más y nada menos, que el creador -un año antes- del maravilloso texto de "Beautiful Girls", película con una de las mejores historias -y mejores diálogos- de los años noventa. Viendo "Con Air" ¡cuesta creerlo! (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)

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Un Puente A La Nada

Título Original - Bridge To Nowhere
Año - 2009
Director - Blair Underwood
Elenco - Ving Rhames, Bijou Phillips, Danny Masterson, Ben Crowley

Blair Underwood, actor reciclado a director, dirige su segunda película directa para video, usando como reclamo al gran Ving Rhames, en una peli en el que este solo aparece un 20% de la película. Me siento engañado, pero al menos, se trata de una peliculita muy disfrutable. Cuatro perdedores, treintañeros, hartos de la vida que llevan en sus trabajos de cuarta categoría, un sábado de fiesta conocen a dos pizpiretas rameras, con las que acaban yéndose de juerga. A raíz de esto, piensan concienzudamente, que igual, el volverse proxenetas, les puede sacar de la vida tan apática que llevan. Con lo que deciden asociarse con las chicas, que como además son adictas al crack, tiene que contactar con un mafioso (Rhames, como no) para conseguirles la droga. En pocos meses, los chicos son millonarios. Pero claro, con el dinero, vienen los problemas.

Típica película con moralina final, entretenida a pesar de todo, videoclipera en su ejecución por decir alguna cosa, en la que sin duda, lo mejor de la cinta es el amigo Ving. Ya sabemos cuales son sus roles; hombre de la calle bondadoso, duro militar, poli bueno, mafioso cabrón sin escrúpulos. En esta hace de mafioso, malo, malo, malísimo. Además hace alarde de sus dotes actorales, en una escena en la que a fin de no ser reconocido en una posible intervención telefónica policial, habla por teléfono cambiando su voz de tipo duro, por una voz de homosexual aterciopelado, para que quede claro, que en pantalla además de dar golpes como panes, Rhames también sabe actuar. Y filmada en video, que bien da de sí la cosa. Lo curioso es que está resultando que películas videocluberas como esta, son de una solvencia mayor a las películas de similar catadura que están llegando a las salas... ¿significará algo eso? (Victor Olid: Aquivaletodo.blogspot.com)

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Rescate Del Metro 123

Título Original - The Taking Of Pelham 123

Año - 2009

Director - Tony Scott

Elenco - Denzel Washington, John Travolta, James Gandolfini, John Turturro, Luis Guzmán

Dentro de la tendencia caprichosa del nuevo cine americano a calcar clásicos, existe otra, justificada o no, de mirar atrás con nostalgia hacia un tipo de películas que representaron en su época serios ejemplos de concesión y artesanía, los cuales, no son intocables pero sirvieron de modelo a un amplio grupo de directores que vieron en ellas elementos de piadosa inspiración. Es el caso de la mayor parte del cine de acción rodado en los 70, el cual supuso un bálsamo de formalidad y precisión narrativa, tiempos en donde importaban poco las formas para centrar sus intenciones en el organizado trabajo de los actores, en contar una historia sin distracciones visuales que restaran impacto al fondo emocional del relato.

Rescate Del Metro 123 es uno de esos films setenteros que si bien no están al nivel de títulos como Contacto En Francia o los trabajos de Pollack y Frankenheimer, es un artículo interesante como para que al menor de los Scott se le haya ocurrido poner su gran angular al servicio de un remake ciento por ciento marca de la casa, epilepsia audiovisual de un director que, gustará más o menos, pero que sigue fidelísimo a su sello personal de montaje hiperactivo, de recursos naturales que documenten un perfil frenéticamente impulsado. Para el nuevo Pelham Scott introduce ciertos cambios generacionales como el terrorismo post 11-S, internet, el uso de la telefonía móvil, el impacto bursátil, circunstancias que modernizan una historia elocuentemente reveladora de las mutaciones estilísticas y argumentales que ha experimentado el género en los 35 años que la distan de su antecesora.

Tony Scott maniobra por los subsuelos de la Gran Manzana con el visor ampliado y el objetivo desquiciado, comunicándose con un lenguaje acelerado equivalente a un Google Maps conectado al servidor inalámbrico de un autor sin complejos, el cual no roba del todo espacio a sus actores con un intenso tour de force en donde el histrionismo de Travolta, cómodo y asentado en papeles de villano, choca con la contención de un moderado Denzel Washington que pasa de la fragilidad inicial de un personaje ambiguo hasta un discutible último acto de héroe salvador excesivamente osado.

El afroamericano se ha convertido en un fetiche del director con el cual ha trabajado ya en cuatro ocasiones, estando la quinta en camino, al igual que Russell Crowe lo es para su hermanísimo, pero la kilométrica vía que separa al cine de ambos es inversamente proporcional al idioma equidistante que parlan sus estilos, uno, Ridley, es mucho más clásico y estructurado, otro, Tony, más libre y desarticulado, los dos enormemente respetados aunque en este caso Tony fluya tan irregular como de costumbre, con una obra desnivelada, distraída e inofensiva, con cierto empalago de imágenes hi-tech y trucos modernistas de una ciudad radiografiada con las lentes apresuradas del autor de True Romance. (Deivi: Filmaffinity)

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El Honor De Los Prizzi

Título Original - Prizzi's Honor
Año - 1985
Director - John Houston
Elenco - Jack Nicholson, Kathleen Turner, Anjelica Huston, Robert Loggia, John Randolph

Magnífico film de John Huston en el que el veterano director volvió a contar con un guión espléndido y un gran reparto: perfecta Anjelica Huston como la caprichosa hija del padrino, turbadora Kathleen Turner en su papel de "femme fatale" e insuperable Nicholson como el mercenario enamorado de la menos indicada... Drama romántico, comedia negra y thriller criminal se mezclan en una joya de los años ochenta que consiguió el aplauso de crítica y público. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)

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Expreso De Medianoche

Título Original - Midnight Express
Año - 1978
Director - Alan Parker
Elenco - Brad Davis, John Hurt, Bo Hopkins, Irene Miracle, Randy Quaid, Paolo Bonacelli

Estambul, Turquía, 1970. William Hayes es un ciudadano estadounidense declarado culpable por tráfico y posesión de hachís, y sentenciado a una corroída prisión en la que sus problemas aumentaran desmesuradamente, llevándolo a sufrir enormes trastornos físicos y psíquicos de los que no podrá escapar, a menos que aborde el expreso de medianoche. Amargo drama penitenciario narrado con gran maestría por el Británico Alan Parker, con un muy logrado guión por el que Oliver Stone recibió el Oscar, basado en las experiencias del verdadero Billy Hayes, un antiguo recluso norteamericano que paso varios años en una infernal prisión turca.

Desde el primer cuadro, la cinta despliega de manera verídica la sensación de crudeza, derrota y desasosiego que cualquier ser humano en su sano juicio experimentaría al encontrarse en semejante embrollo, gracias también a la excelente, valiente y desgarradora actuación de Brad Davis, el film adquiere el poderío suficiente para funcionar como documento de denuncia de situaciones similares; es más, fue tanto su impacto que luego de su estreno serviría para ablandarle el corazón al gobierno turco y lograr así el inicio de un acuerdo formal con los Estados Unidos con el fin de llegar a un intercambio de prisioneros.

El film destila una atmósfera apesadumbrada y desagradable que se equipara a sus memorables personajes, entre ellos están el drogadicto encarnado con la habitual clase y naturalidad histriónica de John Hurt; o el obeso y odioso director de la penitenciaria, un más que correcto Paul Smith. A las geniales interpretaciones de todo el reparto (Davis, Hurt, Bonacelli, Smith, Randy Quaid, Irene Miracle, entre otros) y al monumental trabajo narrativo de Alan Parker y Oliver Stone, se le suma la gran partitura del disco-king Giorgio Moroder, en una perfecta sincronía con cada fotograma, triste y devastadora, en especial en la escena final de la cinta, en la que logra alcanzar un nuevo significado de la palabra euforia. (Puccini007: Filmaffinity)

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